Die Marx Brothers besitzen viele Besonderheiten, die sie zu einer der einflussreichsten Komikertruppen im 20. Jahrhundert machen. Eine von diesen liegt bereits in der Entstehungsgeschichte der Marx-Brothers. Sie stammen, wie der Name bereits erahnen lässt, tatsächlich aus derselben Familie. Ihre deutsche Mutter Minnie Schönberg kam im Jahr 1880 mit ihren Eltern und Geschwistern nach New York, USA. Dort heiratete sie Simon Samuel Marx, der ursprünglich aus dem damals deutschen Elsass stammte. In den Jahren 1987 bis 1901 gebar die junge Ehefrau fünf Söhne, Chico, Harpo, Groucho, Gummo und Zeppo, die Marx Brothers. Die junge Mutter verhalf ihrem Bruder den Schritt ins Showgeschäft und beschloss bereits früh, dass ihre Söhne ihm folgen sollten. So spielte Chico Klavier in Bars und der kleine Groucho erfreute das Publikum mit seiner Sopranstimme. Auch die anderen Söhne übernahmen bereits kleine Rollen. Als die Brüder erwachsen wurden, verlagerten sie den Schwerpunkt ihrer Aufführungen schließlich zu dem Bereich, der ihnen zum Weltrang verhalf: Komik mit Musikeinlagen. Dieses Erfolgskonzept verhalf ihnen zu ausverkauften Theaterauftritten, vielen Radioshows sowie insgesamt 13 Filmen.

Die Besetzung der Marx Brothers war kleinen Schwankungen unterworfen. So setzte sich der eigentliche Kern der Komikertruppe aus den drei Brüdern Groucho, Chico und Harpo zusammen. Groucho, der singende Zyniker, präsentierte sich charismatisch mit Brille, Zigarre und Schnurrbart. Chico, der italienische Klavierspieler, zeigte sich mit einem spitzen Hut. Die auffälligste Verkleidung besaß jedoch der Harfenist Harpo mit seinen hellroten Locken und einem großen Mantel, unter dem er alle möglichen skurrilen Objekte versteckt hatte. Er lächelte stets verschmitzt, sprach jedoch nicht. In den ersten fünf Filmproduktionen der Marx Brothers trat zudem Zeppo auf, welcher im Gegensatz zu seinen Brüdern keine Verkleidung verwendet. Er zog es jedoch vor hinter den Kulissen tätig zu werden. Er machte es damit seinem Bruder Gummo nach, der sich bereits vor der ersten Filmproduktion von dem Bühnenleben verabschiedet hatte.

Mit Ende des Zweiten Weltkrieges zog sich der größte Teil der Brüder Marx ins Pensionsleben zurück. Lediglich Groucho verblieb im Showgeschäft. Sein Wortwitz in seiner Fernseh- und Radiosendung machte ihn in den 1950er Jahren zu einem Publikumsliebling. Das eigentlich Besondere liegt jedoch in der Umstellung der Sendung von einem live gesendeten Format in eine aufgezeichnete Show. Der Grund dafür war der scharfe, ungezügelte Humor Grouchos. Ende der 1950er Jahre kam der renommierte Regisseur Billy Wilder auf die Marx Brothers für ein letztes Filmprojekt zu. Der bereits schlechte Gesundheitszustand von Chico machte eine Realisierung jedoch unmöglich. 1961 starb Chico und seine Brüder folgten ihm in den folgenden 18 Jahren.

Die Marx Brothers haben nachfolgende Komikergenerationen erheblich beeinflusst. Zudem zeigt sich ihre besondere Stellung innerhalb der Unterhaltungsindustrie dadurch, dass die Truppe auf Platz 20 in der Liste der bedeutendsten Filmlegenden aller Zeiten rangiert.

Phineas Taylor Barnum
Der Gründer des ungewöhnlichen und sehr erfolgreichen Museums Phineas Taylor Barnum (1810 -1891) machte im 19. Jahrhundert in den USA als Pionier des modernen Zirkus Karriere. Der Gastwirtssohn zog 1834 nach New York und versuchte sich als Schausteller, nachdem er keine Arbeitsstelle gefunden hatte. Gleich sein erstes „Ausstellungsstück“ war eine Sensation: Die angeblich 161 Jahre alte Joyce Heth wurde dem Publikum als die Amme George Washingtons präsentiert. Die zahlenden Besucher unterhielt die alte Dame mit Anekdoten aus dem Leben George Washingtons. Mit dem Startkapital aus dieser ungewöhnlichen Attraktion finanzierte Barnum einen Wanderzirkus, mit dem er durch den Süden und Osten der USA zog. Mit Menschen- und Tiershows sowie allerlei Kuriositäten unterhielt Barnum sein Publikum und stieg zum selbst ernannten „König Humbug“ auf. Seine Popularität nutzte er auch für eine politische Karriere, in der er sich für die Abschaffung der Sklaverei einsetzte.

Geschichte von Barnum’s American Museum
Das von Barnum am Broadway gegründete Museum wurde zu einem Publikumserfolg. In den 23 Jahren seines Bestehens sollen es 38 Millionen Menschen besucht haben. Es erzielte einen Zuschauerschnitt von 15.000 Personen am Tag. Die Mischung aus Shows, Theater, völkerkundlicher Ausstellung und Kuriositätenkabinett war neuartig und spektakulär, auch wenn ihr wissenschaftlicher und kultureller Wert schon damals fragwürdig war. Bezeichnenderweise waren Seltenheit und dramaturgischer Wert eines Exponats die Kriterien, nach denen man die Ausstellung zusammenstellte. Exotische Musikinstrumente, ausgestopfte Vögel, ein Stadtmodell von Paris, die Büste eines „Kannibalenhäuptlings“, mechanische Figuren und Automaten, Skelette und Mumien, exotische Tiere wie Python und Orang-Utan, ein Flohzirkus, ein Bauchredner und ein Wahrsagerin – alles was nach damaligem Ermessen kurios oder neuartig war fand in Barnums Museum einen Platz. Besondere Berühmtheit erlangten die „lebenden Attraktionen“ des Museums. So beispielsweise der „Zwerg“ General Tom Thumb und seine Frau Lavinia Warren als das angeblich kleinste Paar der Welt. Ein Publikumsmagnet waren auch die sich dauernd streitenden Siamesischen Zwillinge Eng und Chang. Den dicksten Mann der Welt konnte Barnum nur als Wachsfigur ausstellen, die allerdings mit der Originalkleidung versehen wurde.

Das Ende des American Museum
Im Juli 1865 brannte Barnums Museum vollständig ab. Auch das wiedereröffnete Haus fiel drei Jahre später erneut einem Brand zum Opfer. Danach gab Barnum das Museum auf und widmete sich seiner Karriere als Zirkusdirektor und Politiker. Auf der Website der City University in New York kann man sich heute viele Bilddoukmente aus Barnums Musum ansehen.

Die Zirkus- und Varietéwelt zwischen dem 19. und frühen 20. Jahrhundert war stets ein Arbeitsplatz, der eine zukunftsweisende Freiheit mit einer hierarchischen Strenge verband. Weibliche Artisten konnten dort eigenständig tätig werden und manchmal ein gutes Einkommen haben. Jenseits jeglicher normativer Rollenverständnisse konnten ledige Frauen bereits damals in diesem Umfeld die Welt bereisen und alternative Lebensmodelle zum klassischen Frauenbild als Ehefrau und Mutter erproben. Viele sehr erfolgreiche Artistinnen verzichteten zu Gunsten ihres Ehrgeizes und Freude an der Kunst auf Heirat und Mutterschaft. Manche von ihnen lebten ohne Trauschein mit einem Mann zusammen oder in einer lesbischen Beziehung. Außerhalb der Artistenwelt wäre dies nahezu unmöglich gewesen. Dieses freie Leben war auf der anderen Seite jedoch an strikte Regeln und Hierarchien geknüpft, welchem sich das ganze Personal pflichtbewusst unterwerfen musste.

War die Artistenwelt seit jeher durch Freigeister geprägt, so fanden sich in ihrem Publikum vermehrt konservative Werte. Artistinnen präsentierten durch ihre spektakulären Vorführungen, dass Frauen zu ungeahnten Leistungen in der Lage waren. Sie fingen schwere Kanonenkugeln, schleuderten Männer in die hohe Luft und zeigten bei Trapezvorstellungen Todesmut. Den einen oder anderen regten die Artistinnen damit zum Nachdenken über das für selbstverständlich gehaltene Rollenverständnis an. Da ist es nicht verwunderlich, dass eine der berühmtesten und hartnäckigsten Frauenrechtlerinnen des ausgehenden 19. Jahrhunderts, die deutsche Schriftstellerin Lily Braun, in einer ihrer Argumentationen zur Erschließung der Berufswelt fürs weibliche Geschlecht die physische Stärke von Artistinnen aufführt. An konkreten Beispielen dürfte es der Frauenrechtlerin nicht gemangelt haben. Bekannte Artistinnen aus dem 19. Jahrhundert wie die Kunstreiterin Caroline Loyo, die Kraftfrau Elise Serafin Luftmann und die Löwendompteuse Claire Heliot fanden schon damals hohe gesellschaftliche Achtung und standen den heutigen Größen ihrer Disziplinen in nichts nach.

Manchmal ging es um ein Thema, an dem sich das ganze Programm aufhängte. Die klassischen Tierdressuren waren eher selten Bestandteil der innovativen Zirkusprojekte. Stattdessen ging es eher um Ästhetik oder eine poetische Geschichte als Handlungsrahmen, in die neue Formen der Akrobatik, Rockmusik und alternative Technologien der Illusionisten eingewoben wurden. Bühnenbilder und Kostüme wurden dem innovativen Charakter ebenso angepasst wie die Spielstätten selbst. Teilweise wurde die traditionelle Manege ersetzt durch ein Spiel ohne Arena mitten im Publikum, das bei solchen Zirkusprojekten weitaus mehr einbezogen wurde.
Die ersten neuen Zirkusprojekte in Europa entstanden um 1970 in Frankreich. Zeitgleich gab es die ersten Projekte dieser Art auch in Australien, England oder den Vereinigten Staaten. Bekannt wurden unter anderem der “Ra-Ra Zoo” in London, der walisische “Nofit State Circus”, der aus Kanada stammende “Cirque du Soleil” sowie die Zirkusprojekte „Cirque Plume“ und der radikal-anarchische Zirkus „Archaos“ aus Frankreich, alle aus den achtziger Jahren. Später erlebte man den deutschen Zirkus Roncalli, den schwedischen “Cirkus Cirkör” oder das britische Punk-Fun-Zirkusprojekt “Skewed Circus”. Außerdem gab es zahlreiche außereuropäische Projekte innovativen Charakters. Das finanziell und programmatisch erfolgreichste Zirkusprojekt in der Publikumsgunst war zweifellos der “Cirque du Soleil”, der auch in Europa große Erfolge feiern konnte. Innovativ und spektakulär waren auch die Projekte des Österreichers Andre Geller.

Inwieweit traditionelle Zirkuselemente mit neuen Technologien oder Theatertechniken untermischt werden oder ob man ganz andere Ausdrucksformen für den Zirkus fand, ist von Projekt zu Projekt verschieden. Dank der innovativen Zirkuserlebnisse – zum Teil mit einem Dinner kombiniert – fand das Publikum aber neuen Spaß an der Manege. Manchmal musste es auch von dieser Abschied nehmen und ein Zirkusprojekt im angemieteten Variete-Theater besuchen. Unter dem Begriff “Extreme Circus” konnte man gewagte Stunts, Feuertänzer oder synchronisierte Trapeznummern sehen, die alles überboten, was man bisher kannte. Hier ging es mehr um Spektakel und Illusion, serviert im richtigen Ambiente. Der Nachwuchs ging auf Zirkusschulen und führte seine Kunst dann in modernen Zirkusprojekten wie der “Ecole Supérieure des Arts du Cirque” aus Belgien, dem Schweizer “Rigolo Nouveau Cirque”, dem “Centre National des Arts du Cirque” in Frankreich oder beim “Circomedi” in England vor. In den Niederlanden entstand die “Academy for Circus and Performance Art”, um dem wachsenden Anspruch an profunder Ausbildung gerecht zu werden. Es ging nicht mehr nur um Akrobatik, sondern man musste sich auch mit darstellender Kunst, Lichtanlagen, Sicherheitsbestimmungen, Gesetzen oder Kulissenbau auskennen.

2010 zog eine Ausstellung zum Thema nicht nur zahlreiche ehemalige Artisten des innovativen Zirkusprojekts nach London. Anlass für die Präsentation von Fotos, Filmen und Tonaufnahmen des Zirkus Archaos war der Tod des Pierrot Bidon. Eine eigene Webseite für das Projekt entstand, um die Dokumentation seiner kurzen Geschichte allen zugänglich zu machen. Sein Gründer bezeichnete den Zirkus Archaos einmal grinsend als “blödsinnig” und “wahnwitzig”. Er wollte Anarchie, Überraschungseffekte und Chaos unter die allzu betulichen Zirkustraditionen mischen.

Die Castells gehören in Katalonien traditionell zum festlichen Rahmen, der bestimmte Anlässe begleitet. Castells werden zu den Feiern der örtlichen Schutzheiligen gebaut, den Festa Major. Auch zu Jahrestagen wird häufig eine Diada Castellera (Veranstaltung eines Castells) aufgeführt. Sie ist zugleich ein Wettstreit. Denn die Castellers bestehen aus organisierten Gruppen, den Colles Castelleres, bei jeder Diada Castellera messen sich mehrere Colles Castelleres, der eindrucksvollste Menschenturm gewinnt den Wettkampf. Die volle Punktzahl bekommt dabei nur ein Castell, der vollständig wieder abgebaut werden kann, jeder Einsturz vor dem vollständigen Aufbau, aber auch dem vollständigen Abbau, gibt Punktabzüge.

Die Tradition der Castells entwickelte sich im 18. Jahrhundert in der Stadt Valls, einem Ort im Nordwesten Spaniens (Provinz Tarragona). Hier liegt das Camp de Tarragona, eine historische Region, in der die Castells ihre Anfänge hatten. Von dort aus breiteten sich die Castells vor allem im Zuge der katalonischen Autonomiebestrebungen in den 1980er Jahren in ganz Katalonien aus. Teilweise trugen sie katalonisches Traditionsbewusstsein auch über die Grenzen Kataloniens hinaus.

Die Castells fungierten als wichtige Transporteure der eigenständigen Kultur und erlangten als Zeichen der Zusammengehörigkeit Kataloniens hohe Bedeutung. 1995 wurde diese Bedeutung durch ein Gesetz bestätigt, das das Camp de Tarragona zu einem der sieben Territorien der Autonomen Gemeinschaft Katalonien machte. Der integritätsstiftende Stellenwert der Castells ist in etwa zu vergleichen mit der der Sardana, des beliebten und bewahrten katalanischen Volkstanzes. Eine bedeutende Würdigung erlangten die Castells, als sie im November 2010 zum Immateriellen Weltkulturerbe der UNESCO erklärt wurden.

Die amerikanische Version des Vaudeville Theaters übernahm vermutlich nur den Namen von den französischen Theatern. Diese Unterhaltungsform trat erstmals in den 1880er Jahren auf und gilt als eine der ersten Erscheinungen der Massenkultur. Die Theater zeichneten sich vor allem durch die voneinander unabhängigen Kurzdarbietungen aus, die dem Publikum geboten wurden. Oft wurde viele Stunden am Stück gespielt und die Zuschauer kamen und gingen in dieser Zeit,w ie es ihnen beliebte. Die Darbietungen umfassten unterschiedlichste Formen wie Sketche, Lieder, Tierdressuren oder Minstrel.
Die Entstehung des Tonfilms sowie die Wirtschaftskrise in den 1920er Jahren läutete schließlich das Ende des amerikanischen Vaudeville Theaters ein. Viele der damaligen Betreiber sattelten auf Film um und bauten Ihre Theater zu Kinos um.